Por el sitio web Bakkouz y por el buen trabajo de Antolín Prieto, me entero de una categoría más para clasificar algunas películas inclasificables que si bien, por su desarrollo o su temática encajan dentro de alguna categoría o género como la ciencia ficción, el drama, la comedia, o el musical; hay algo en ellas que no las hace cien por ciento merecedoras de esas clasificaciones tan arbitrarias. Así que qué mejor idea que clasificarlas como las 10 películas más extrañas (léase también extravagantes, locas, rayadas y demás sinónimos), de todos los tiempos. Aunque por cierto creo que sólo se han tomado en cuenta los filmes realizados en la segunda mitad del siglo XX.
Naked lunch de David Cronenberg
El sitio web Bakkouz hace una lista, arbitraria también, de estos filmes. Particularmente discrepo con algunos de los puestos que algunas películas ocupan, otras aún no las he visto. Así que presento estos filmes (ordenados de la manera hallada) dejando total libertad de ordenar estas piezas de la forma que apetezcan - pues esta nueva clasificación - creo también, excluye muchas otras que pudieron ocupar mejores posiciones.
Y las 10 mejores son: (Entérate de ellas en Cinencuentro
Aprovechando la fiebre que ha generado Björk tras su concert en Lima - al que tuve la oportunidad de asistir con mucha gente del trabajo fanática de "La china" - no puedo evitar seguir escuchando sus canciones, sobre todo las que cantó en el Vértice del Museo de la Nación la noche del martes 13 de noviembre. Canciones como Hyperballad, Pluto o la indiscutible Earth Intruders hicieron que la entrada de 232 nuevos soles valeria la pena.
La bailarina, que tantas veces vi en la película del danés Lars von Trier, llegaba al Perú con su última producción discográfica pero con la misma aura mística, la fuerte personalidad y la indiscutible voz que conocía desde mucho antes pero que RE-conocí a partir de su interpretación cinematográfica de una ciega mártir llamada Selma.
Aquí una muestra de esa pieza que aún hoy no me canso de ver ni de recomendar. Hasta el próximo concierto, porque ya no habrá próxima película.
Vaya, 2 de la mañana y no encontraba la chica desconcertante de esta semana. Con ayuda de Antolín - que posteaba en la máquina de al lado, logré logramos pensar en una misma chica que pueda ser digna de ocupar este espacio semanal. Sin querer habíamos pensado en Megan Fox, la diosa culpable de que los Transformers se torne una película romántica y en una excusa más para ver la película de robots más de una vez. Diganme si con ella no vale la pena repetir el plato.
A través de mi querido padre me entero que en Talara, un sobrino suyo - sobrino de cariño y hermano de su ahijada Olivia - acaba de realizar un video que ha colgado en Youtube. Lo novedoso de esta noticia es que en Talara, lugar donde nací, nunca se ha hecho nada así; yo sé que la tecnología avanza a pasos agigantados y que ahora todo el mundo puede hacer un video, subirlo a youtube y, a partir de softwares, poder hacer lo que se le venga en gana.
Pero ese es mi motivo de asombro ya que Talara se había tornado una ciudad aburrida, sin novedades, sin más noticias que las del petróleo y el canon petrolero y nada de verdad que amerite detenerse en esa ciudad. Es por eso que con asombro y muchísimo gusto veo que un talareño como Percy Castillo haya logrado hacer este video en mi ciudad natal; un video que no tiene nada que envidiar a los de cualquier parte del orbe. Mis felicitaciones a Percy y esperamos gustosos más noticias de él y de Talara.
La animación - lo más explotadoramente marketeable que tiene el séptimo arte por estos tiempos - nos trae ahora The bee movie, una película más para toda la familia aprovechando la época navideña que ya se nos viene encima.
En la secuencia que se ha colado en la internet, de 6 minutos de duración y sólo en inglés, vemos el proceso de reclutamiento de las abejas y el proceso de trabajo industrial que tienen. Si no entiendes el inglés igual chekalo, la magia de la animación está tan avanzada que es recontra sencillo entender todo a partir de las acciones que suceden en este fragmento.
La semana pasada fue escenario de la presentación de un ciclo de películas andino peruanas, de los directores Nilo Inga, Flaviano Quispe y Palito Ortega. Ellos son representantes de una corriente en la cinematografía nacional que rescata los valores culturales del mundo andino y regiones del Perú. Este ciclo ha merecido reconocimiento internacional ya que estas películas han sido presentadas en el festival de Munich en Alemania.
A pesar que todo el mundo globalizado celebra el día de halloween, en el Perú la fiesta de los muertos se mezcla el mismo día con los acordes de la guitarra y los golpes del cajón; no sólo porque Lima está de fiesta sino porque una de las manifestaciones culturales más reconocidas fuera de nuestro suelo patrio también festeja su día: el CRIOLLISMO, con mayuúsculas completas nos ha dado generosos valses, voces invalorables y festejos de infinita alegria como el que recorrió el mundo en la película Tinta Roja - basada en el libro homónimo de Alberto Fuguet -, donde Tatiana Astengo se mueve infartante al ritmo de este baile netamente peruano de raices negras. Salud con Pilsen y que viva la música criolla.
Definitivamente quedé impactado. Los ojos amarillos y la risa maliciosa del final de este cortometraje - convertido en video musical - no me dejaron descansar muchas noches y me persiguieron hasta el punto de alucinarlas apareciendo por mi ventana. Thriller, la canción de mi ídolo ochentero Michael Jackson, no sólo había cambiado la forma de hacer videoclips, sino que habría de marcar persistentemente durante muchos años, la noche del 31 de octubre para muchos, que esperaban convertirse en los zombies de la compañía de baile del cantante americano. Nada más que decir, sólo queda bailar.
No soy muy aficionado a hacer una lista de películas, de famosos, de actrices, de deportes, etc. etc. porque me parece que: 1ro. son una salida fácil para decir "hoy pongo esto y soluciono el problema de no tener nada en el blog"; 2do. porque son tan comunes y casi siempre todos tienen una lista distinta a la tuya que es imposible ponerse de acuerdo; 3ro. porque estoy harto de ver que en E! Entertainment han tomado este recurso como el pan de cada día volviéndolo insoportable para mi gusto.
Pero como de vez en cuando hay que adaptarse al formato, seguir la corriente, generar más visitas y no tener tiempo para postear algo más interesante (aunque este post lo estoy haciendo como una semana de anticipación) aquí van mis 10 películas favoritas de horror, terror, suspenso y demás adjetivos para esta noche de Halloween (aunque deberíamos estar celebrando el día de la canción criolla). Espero al menos que se 'soplen' alguna antes de irse a juerguear disfrazados.
1. El exorcista, porque recién a los 16 años tuve el valor de verla. 2. La profecía, porque tan sólo escuchar la música me erizaba la piel. 3. Psicosis, porque las sombras dan más miedo en blanco y negro. 4. La mano que mece la cuna, porque aún me hace prender la luz antes de entrar a la habitación 5. El resplandor, porque el seguimiento al cochecito realmente es tenebroso 6. Al final de la escalera, por ser inspiración para uno de mis directores favoritos, Alejandro Amenabar. 7.Ringu, porque me hace pensar no contestar el teléfono, a veces. 8. Dark water, porque saltas de terror en los momentos que debes saltar de terror 9. Pesadilla en Elm Street, porque me memoricé la canción para asustar a mis hermanas. 10. Un hombre lobo americano en Londres, porque la vi desde pequeño y aún la recuerdo claramente.
Ya ven!!! me faltaron muchas que deberían estar en esta lista pero que justo ahora que la estoy escribiendo no me acuerdo, se me pasaron o encajan en otros géneros mayores que el de terror / suspenso / horror / etc. etc.
Esperando el 31 de octubre, día de las brujas (que también es conocido como Halloween) me puse a pensar cual es el mejor monstruo que he visto en el cine, el que más me impresionó o asustó; cual me hizo padecer de miedo por mucho tiempo y me hizo dormir con la luz apagada o pasarme a la cama de mis papás en plena medianoche. Y realmente hay varios que pudieran llevarse el premio mayor al mejor monstruo de la pantalla grande y del cual podría disfrazarme este 31 de octubre para pasar por tu casa a pedirte un Globo Pop.
Para empezar está La Mosca, monstruo alucinante interpretado por Jeff Goldbum, que sin duda ha sido el papel que lo ha marcado y que lo dio a conocer en Hollywood; de la mano de David Cronemberg, logra dar vida a esa esperpenta criatura vomitiva que nunca termina de formarse.
Uno de los clásicos es el Frankesntein de Boris Karloff que, al igual que su interpretación de La Momia, es uno de los personajes que no pudo sacarse de encima después de haberlo plasmado en el celuloide.
El Nosferatu de Murnau que, a pesar de haberla visto ya mayor, logra -gracias al gran trabajo de fotografía- formar ese rostro duro, cruel, satánico y ambivalente que vemos en la pantalla presto a morder los cuellos de los incautos que llegan a vivir con él.
Uno de los más recientes, y a pesar de no entrar dentro de la categoría de film de terror / suspenso / horror; es el personaje sin ojos que vemos en El laberinto del Fauno de Guillermo del Toro. Este personaje es uno de los más espeluznantes que he visto, sobre todo por la forma en que lo presenta el director mexicano y por la forma en que suele conseguir sus presas.
Se quedan un montón en el closet: Clásicos como La Momia, Drácula o La criatura de la Laguna Negra; otros más cercanos a mi época como E.T., Alien, Depredador, Freddy Krueger o Jason; para variar ya no me acuerdo de otros, aunque sé que hay una infinidad de ellos que a cada uno de nosotros nos inspira más temor o que simplemente nos parecieron excelentes trabajos de maquillaje y vestuario que vale la pena reinventar para este 31, día donde todos tienden a vestir "su mejor disfraz"
Juan Pablo Fernandez debe ser el más indeciso de los seres vivientes. El chileno, junto con un colectivo de artistas, acaba de presentar en Viña del Mar, donde se lleva un Festival de cine organizado por el Colectivo Sure, su úlitmo film o sus ultimos filmes, ya que ha presentado una obra cinematográfica con 3 millones de finales - distintos obviamente.
El film de Fernández, titulado Papá o 36 mil juicios de un mismo suceso, narra la historia de un académico que mantiene un romance con una alumna, hasta que es descubierto por su hija.
¿Cómo lo hicieron? Recontra sencillo; los realizadores colectivos filmaron tres cierres para su película, los que dividieron a su vez en varias partes, las que son combinadas aleatoriamente por un software alojado en el DVD, cada vez que el film vuelve a comenzar. Nada complicado si tienes algunas especializaciones en tecnología digital, ingeniería de sistemas o electricidad.
En declaraciones al portal digital de noticias Emol, el director del film e indeciso número uno, Juan Pablo Fernández, explicó que esta innovación permite que en cada proyección la obra sea distinta, osea que puedas verla muchas veces sin aburrirte o que la estrenen en cada proyección. Se imaginan estrenar una misma película 4 o 5 veces al día solo porque el final está en constante cambio?? Recontra loco.
En Viña del Mar, por ejemplo, en las doce horas que duró la proyección continua de Papá, se alcanzaron a ver 8 versiones.
O por qué están de modas las latinas. Si hubiera premio de la Academia para la belleza, sencillez y demás características que acompañan estos dos adjetivos, sin duda una de las fuertes candidatas sería este lomazo llamado Jessica Alba.
Tras ganar fama como la chica invisible de los 4 Fantásticos, ahora demuestra en esta sección fotográfica porque es una digna representante para desconcentrarme esta semana a mi y a muchos otros incautos que se quedarán con la boca abierta viendo este post, porque es más que seguro que ni siquiera lo van a leer. Buen provecho
Rick James, el Rey del Funk, renace después de 30 años para meterse en el soundtrack de Little Miss Sunshine, una película de la cual ya he expresado mis comentarios en un post anterior. Sin duda la escena donde escuchamos Superfreak, la canción de este americano de color, es sin duda una de las más cague de risa que he visto en una "película indie", por eso y muchas cosas más, Superfreak abre esta nueva sección semanal. Con ustedes el videoclip original (porque no encontré el clip con imágenes de la película en Youtube y me dio flojera seguir buscando)
Para festejar un aniversario más del Coloquio Lo Cholo en el Perú, la Biblioteca Nacional ha programado para esta semana charlas acerca de la narrativa y el cine provinciano, acompañadas de películas y un homenaje al cineasta Luis Figueroa. El conversatorio se lleva a cabo desde el martes 23 en la sede de la Biblioteca Nacional del Perú (Av. De la Poesía 160, San Borja.)
El ingreso es gratuito para las sesiones y para las películas que se proyectarán en el Auditorio Juan Mejía Baca.
Las charlas de los días 24, 25 y 26 serán:
Miércoles 24 Homenaje a Luis Figueroa Tema: Los gestores del cine cholo Ponentes: Luis Figueroa, Federico García y María Elena Benites del Grupo Chaski (Auditorio Principal BNP / 19:00 h. / Ingreso Libre)
Jueves 25 Tema: Cine provinciano Ponentes: Flaviano Quispe, Nilo Inga, Palito Ortega. (Auditorio Principal BNP / 19:00 h. / Ingreso Libre)
Viernes 26 Tema: Lo chicha y la Literatura Ponentes: Oswaldo Reynoso, Javier Garvich, Miguel Ángel Vallejo, Alfredo Villar Preside y comenta: César Ramos (Sala de Usos Múltiples SUM / 19:00 h / Ingreso Libre)
El horario de las películas, que van hasta el sábado, es este:
Jueves 25 - 07:00 p.m
Cine provinciano Flaviano Quispe, Nilo Inga, Palito Ortega
No sé si pensar que la culpa es del gobierno de los 'yunaites' o es que ahora con el mundo de la globalización, las campañas ecológicas, los movimientos pacifistas, la serie Héroes (que la rompe a nivel mundial) y toda la onda retro de los 70 (Make love not War) han ocasionado que los superhéroes de antaño - esos con poderes únicos, sobrenaturales, que nacieron hace más de 40 años insertados como dibujos animados en los comics y a fines de los 70s se hicieron carne y hueso para ser llevados a la pantalla grande.
Los mismos superhéroes que admirábamos porque volaban , veían a través de las paredes, escalaban edificios, luchaban contra el mal (y nunca los mataban, o casi nunca) y que soñábamos ser como ellos -ahora se parecen más a nosotros -o ellos quieren parecerse más a nosotros. En el nuevo siglo que ha traído la competencia profesional, el ser onmipresente a través de la web, el poder estar en todos lados, en poder escalar edificios y ver a través de las paredes, los viejo superhéroes han tenido que sobrevivir en nuestro mundo y como los humanos solemos pagar mal a quien nos ayuda (un mala costumbre) ahora ellos son unos simples mortales, como tú y como yo. O tal vez peor.
Dicho sea de paso, Spiderman, no les recuerda una publicidad peruana??
Superman (Noé Reyes): Repartidor de Comida rápida.
Spiderman (Bernabé Méndez): Limpiador de vidrios. La Mole (Luis Hernández): Demoledor de construcción Fotografías: Dulce Pinzón para Revista Dedomedio (09.2007)
Leyendo la revista Somos, de la edición sabatina del diario El Comercio, leo con bastante interés una nota de 4 páginas acerca del canibal mexicano. La captura de un incipiente escritor de novelas de terror cuando cenaba los restos de su pareja aderezados con limón, ha conmocionado a la sociedad mexicana porque se trata del primer caso de canibalismo en serie registrado en la historia del país, informó hoy jueves la prensa local.
José Luis Calva Zepeda se comió -literalmente- a su pareja Alejandra Galeana Garavito, de 30 años y madre de dos hijos. Con al diferencia de su modelo cinematográfico Hannibal Lecter, este escritor cocinaba a sus víctimas antes de ingerirlas y parece que era muy descuidado en lo que respecta a la conservación de sus alimentos ya que la policía federal halló restos de su novia dispersos en distintas habitaciones del departamento de Calva, quien no sólo comia humanos sino que además ficcionaba sus aventuras caníbales en una novela llamada "Instintos Caníbales o 12 días".
Este es un nuevo caso de canibalismo, que se suma al de Gumaro de Dios Arias, al que se le conoció entonces como "el caníbal del Caribe", admitió haberse comido unos dos kilos y medio de la carne de su amante cuando la autoridades lo aprehendieron. Pero sin duda el más conocido y publicitado - creo que sacarán una película contando toda su historia - es el del canibal de Rotemburgo, Armin Meiwes, que fue arrestado hace 2 años en Frankfurt por haberse comido a un hombre de 43 años de nombre Bernd Brandes, que aceptó ser el plato de fondo del canibal alemán.
El canibal mexicano, como dato extra, es admirador de Anthony Hopkins, que interpretó de manera magistral al doctor Hannibal Lecter en la película ganadora del Oscar El silencio de los inocentes. Dicho sea de paso, al tío Hopkings lo premiaron hace poco por ser el más aterrador de los 50 peores villanos del cine. Y así le pagan sus admiradores, qué vergüenza!!!
La elegida para desconcentrarme esta semana (a pesar que la semana ya termina o mejor dicho, recién comienza), es Scarlett, así de simple, sin apellido porque ya es universal, y porque siendo una diva de Hollywood creo que no ha perdido el encanto, aunque yo si me siento perdido con la mirada de esta musa que toda la semana ha sido objeto de mis pensamientos (bajos, profundos, altos y todos los demás), por eso y muchas cosas más, esta semana me desconcentro con ella.
Hace unas semanas comencé a trabajar para Asociación de Televisión Educativa Iberoamericana (ATEI), junto a ellos estamos lanzando un proyecto de Noticias Culturales Iberoamericanas (NCI) donde promoveremos las diferentes culturas y diversas manifestaciones culturales que cada país latinoamericano abarca dentro de su espacio territorial. Nuestra primera entrega (debido a que aún estamos trabajando la "versión beta") fue acerca del II Festival del Círculo presentado por La Tarumba, pero hoy quier compartir con ustedes la segunda entrega de este proyecto ya que tiene que ver más con el universo temático que mueve este blog: La Red de Microcines del Grupo Chaski.
La Red de Microcines nace en 1985 a partir de la película Gregorio, como iniciativa directa del Grupo Chaski, quienes constatan - tras haber tenido experiencia en los diferentes mercados de la producción y distribución de cine - que para el cine peruano y latinoamericano no hay espacio, a pesar de que se producen muchos documentales y películas de esta región de las cuales la gente no tiene conocimiento.
Fruto de ello, el cine nacional y latinoamericano no tenía como llegar a las poblaciones, quienes interesados en ver las películas llamaban al grupo Chaski (quienes muchas veces producían las películas) agrupados a nivel de organizaciones populares, instituciones civiles para poder concretar la posibilidad de poder tener en su comunidad un film que muestre y/o refleje la identidad cultural, social de los pueblos peruanos.
Es así como entre la misma población la gente se organizaba, se prestaba sabanas, buscaba paredes en las plazas públicas donde poder extender los 2 metros de tela necesarios para armar un ecran artesanal. Esto resultaba una movida excelente dentro de la población, que disfrutaban de una buena película, y generaban un espacio de reflexión y distensión, donde poder dialogar sobre la propia identidad, la valoración de sus pueblos y el desarrollo de sus comunidades.
El Grupo Chaski empieza así una etapa de capacitación de jóvenes líderes, capacitándolos en el manejo de salas, de públicos y de aliados estratégicos que generen un mantenimiento temporal de las salas de proyección en las comunidades, contrarrestando la cultura que existe en el aspecto cinematográfico del país y generando un espacio de exhibición de las películas nacionales y latinoamericanas que no tenían una merecida difusión dentro del territorio nacional.
María Elena Benites, encargada de la Red, nos brindó una entrevista para la realización de nuestro reportaje y donde nos dice, entre muchas otras cosas: "pasar películas en los barrios con público popular la gente empieza a valorarse, a ver sus rostros sus rasgos, sus barrios, a verse reflejado en la pantalla, que eso es valorarse y si nosotros queremos trabajar el desarrollo del país lo primero que debemos hacer es valorarnos".
Además invita a los jóvenes interesados en ser promotores culturales de la Red de Microcines a participar inscribiéndose en su pagina web y así poder capacitarse para poder llevar el cine a su comunidad y hacer que no sólo la pared hable sino que al comunidad en conjunto encuentre una voz de reflexión, identidad, valoración y entendimiento de nosotros mismos.
Acá un adelanto del reportaje que hicimos para Enlace Nacional, blog de noticias que por ahora es mi fuente de trabajo diario y que me quita noches de sueño.
A propósito del Estreno de Inland Empire; la Revista Fantastique recupera en su sección Archivos, un texto de Javier Valencia, escrito el 13 de diciembre de 2005, donde nos aproxima a uno de los cineastas de mayor relevancia en el cine norteamericano, David Lynch. El artículo titulado El James Stewart de Marte, es una aproximación a los comienzos del director y a una bigrafía guiada por dos de sus primeros trabajos: The Alphabet (4') cortometraje realizado en 1968 y The Grandmother (34') mediometraje de 1970.
El artículo, recuperado del limbo de los inencontrables por petición de su autor (así lo presenta la revista) resume muy bien la trayectoria de Lynch y nos acerca a los amigos que hicieron que el gran David se acercara de manera profesional al arte cinematográfico, que veía al cine como una profesión para jóvenes inmaduros.
Mi primer profesor realmente importante fue un tipo llamado Bushnell Keeler, el padre de mi buen amigo Toby Keeler. Fue el primer artista profesional que conocí. Desde aquel momento quise ser pintor... su vida me parecía un milagro. Lo más importante es que tenía un estudio y pintaba todos los días. Me dejó un libro llamado “El Espíritu del arte”, de Robert Henri, que llegó a ser como una Biblia para mi porque disponía de las reglas de la vida artística.
Investigando en la Web llegue a un concurso interesante que promueve el uso del Photoshop para hacer piezas únicas en todas las categorías imaginables posibles. Dentro de estas categorias no podía faltar la categoría con los divos y divas de Hollywood retratados de manera singular en personajes en los que no los hemos visto en la pantalla grande (o chica)
Es un site increíble que vale la pena visitar, no solo por este tipo de foto sino porque tiene una de las galerías más grandes (con fotos propias) de archivos en Photoshop (aproximadamente 9 mil galerias, y más de 330 mil imágenes) además de estar en permanente apertura de concursos para aficionados o profesionales de photoshop. Dense una vuelta por la página y comenten el innumerable universo del mago Photoshop.
La renovación del cine chileno ya tiene nombre según muchos críticos del país del sur: Matías Bize ha logrado a través de tan solo dos películas hacerse de un estilo propio y de reconocimiento internacional, una tendencia que siguen muchos directores noveles de Latinoamérica. A continuación, una mirada a su opera prima: Sábado, una película en tiempo real.
La primera película del chileno Matías Bize (Santiago de Chile, 1979) se promocionó como la primera película en tiempo real de Latinoamérica. Pero después de verla un par de veces, pienso que la película encierra mucho más que un largo plano secuencia de una hora de rodaje.
Si bien, la historia de Sábado no es original ni tiene un desarrollo desconocido para el espectador; goza de frescura por la forma en que está contada. Una novia (Blanca Lewin) se entera el día de su boda que su futuro esposo (Diego Muñoz) sigue viendo a su ex 'polola' (Antonia Zegers) y que ésta a su vez, espera un hijo.
Nada novedoso en el guión sino fuera porque la que le da la noticia a Blanca es la misma amante del novio, que además, y con mucho tacto, registra el hecho en una cámara de video. Por esta cámara el espectador acompañará el desarrollo de la historia durante 60 minutos, cámara en mano, sin cortes ni efectos.
Esta particular forma de diseñar la película no es cosa nueva, incluso creo que es debido a la poca ayuda financiera recibida por Bize, que en la época que rodó Sábado, no había terminado la carrera ni era una promesa nacional en el país del sur. Bize sólo contaba con cortos estudiantiles para la Escuela de Cine de Chile y solía trabajar con el mismo escaso equipo de producción con el que hizo su ópera prima, incluyendo a Blanca Lewin, protagonista y amiga desde sus obras cortas.
No se trata pues, de la invención del fuego. Ya en Dinamarca, Lars Von Trier había revitalizado la cinematografía danesa a partir de un concepto llamado Dogma 95 que daba mayor importancia a la historia que a la parafernalia cinematográfica.
Parece que Bize toma aspectos del movimiento dogma para poder hacer realidad su historia y a partir de ella generar en Latinoamérica la misma impresión, críticas y reconocimientos necesarios para el cine chileno que lo conseguido por Von Trier casi 12 años atrás.
Pareciera que Bize hubiese estudiado este movimiento para darlo a conocer en Latinoamérica; para adecuarlo a la realidad tercermundista a través de una historia bastante frecuente en esta parte del continente, pero haciéndolo con un sello personal, consciente de que esa dirección podría darle beneficios futuros.
Pero Bize logra mucho más. Logra que –al igual que Reygadas y Alonso– el cine de esta región se tome un necesario respiro del cine tradicional, un aire juvenil que a través de nuevos directores ha ayudado no sólo al reconocimiento internacional de la cinematografía de sus propios países sino además generar un interés mundial por el séptimo arte sudamericano.
Sábado, no es una gran película pero el tratamiento y la forma con la que dirige Matías Bize la han hecho merecedora de lauros que han recalcado su estilo, la creatividad para lograr la puesta en escena de sus guiones y sobre todo la idea de saber que el cine puede innovarse cada día; sólo falta, en palabras de Bize, escuelas que busquen que cada realizador encuentre su estilo.
Hace poco he tenido la oportunidad de prestarle atención al cine asiático, particularmente al japonés y al coreano. Dentro de la búsqueda de películas de esta parte del mundo, he logrado ver filmes de directores de distinto calibre: Takeshi Kitano, Chan-wook Park, los hermanos Pang, Wong Kar-wai, Hayao Miyazaki y Takashi Miike. Pero esta semana, por recomendación de Lucho, he podido ver Tetsuo, el hombre de acero (Tetsuo, 1989) del director japonés Shinya Tsukamoto. Un film violento de principio a fin pero que sin duda es referente de muchos de los filmes alternativos y fantásticos de la nueva generación asiática post 90.
Rodada en blanco y negro, son dos los elementos que me interesaron dentro de la película (Ganadora del premio a mejor película fantástica en el Festival Internacional de Roma 1989). El primero es el juego que el director nos invita a recorrer a partir de un guión llevado a su máxima alucinación: tras un choque automovilístico un hombre empieza a sufrir los estragos de una mutación que lo llevará a convertirse en el malvado hombre de acero. En otro lado de la ciudad, un fanático de los metales –tan fanático que suele introducirse restos de chatarra en su cuerpo– inicia la búsqueda del accidentado que cada vez se parece más a una carretilla de chatarra.
El segundo es el juego de Tsukamoto para introducir dentro de la trama todos los elementos audiovisuales posibles para bombardear visualmente al espectador y mantenerlo dentro del mundo fantástico de la película. En ella nos topamos con una edición de ritmos rápidos, estilos diversos y formatos que cambian constantemente, rompiendo estructuras pero sobre todo atacando los sentidos de manera agresiva.
Si para muchos la película carece de una historia "bien contada" he podido ver que el desarrollo de ésta existe; y que tiene los elementos necesarios que la hacen una sólida historia: el personaje principal, la eterna enamorada dispuesta a ayudarle, la grotesca escena amorosa, el malvado que trata de hallar el instrumento preciso para conquistar el mundo y 'decorarlo' a su gusto. Lo único que habría que decir sobre el guión es que está realizado de manera distinta, muy personal y muy jalada de los pelos, pero por sobre todo innovadora, original y lograda.
Está película tiene una secuela –que en realidad no lo es– Tetsuo, el hombre martillo (Tetsuo II: Body Hammer, 1992) que espero impaciente poder ver pronto.
Al realizador Juan Carlos Díaz le encanta el suspenso. Le gustó desde que vio Psicosis en el Instituto John Logie Baird, donde estudió Comunicaciones y donde aprendió y se especializó en todo lo referente a la producción cinematográfica, ya que su meta ha sido siempre hacer una película propia. Ahora, con una empresa productora llamada Gatopardo se alista para dar el salto a la pantalla grande y comparte con nosotros una de sus historias de suspenso: Sebastián.
Sebastián es la historia de Alejandra (Katia Salazar), una madre que ha quedado devastada tras la muerte de su pequeño hijo Sebatián en la bañera de la casa. Los recuerdos no la dejan en paz. Fernando (Julián Legaspi), su esposo, trata de apoyarla; pero será suficiente cuando Sebastián comience a aparecer nuevamente a su alrededor. Sebastián es un corto sicológico con un par de vueltas de tuerca en la trama, pueden verlo a continuación:
La pre-producción del corto duró unos 3 meses y la grabación fue en 2 días. Realizado en DVCAM, cuenta con la participación de Julián Legaspi y Katia Salazar. Tuvo un costo aproximado de mil quinientos soles. El cortometraje ha sido estrenado en el Centro Cultural CAFAE el año pasado.
Ficha Técnica
Sebastián | 18 min. | DVCAM
Intérpretes: Julián Legaspi, Katia Salazar, Salvador Córdova Director: Juan Carlos Díaz Guión: Juan Carlos Díaz Producción: Escuela de Cine de Lima & Artes Visuales Asistente de Dirección: Eric Asca Román Asistente de Producción: Gabriela Delgado y Yuri Gonzáles Cámaras: Ernesto Lastra Morris Boom: Josué Medina Maquillaje: María Ruiz Vivanco Iluminación: Felipe Arroyo y Jaime Luis Vilca Vestuario: Gabriela Delgado Post Producción de Vídeo: Néstor Mendoza Lupérdiga Post Producción de Audio: Álvaro Reynaga Céspedes Script: Evelyn Allauca
Oxfam Internacional es una confederación de 13 organizaciones que trabajan en conjunto con 3000 organismos locales en más de 100 países, para encontrar soluciones definitivas a la pobreza, el sufrimiento y la injusticia social. Dado que muchas de la causas de la pobreza son de carácter global, los 13 miembros de Oxfam Internacional confían en que pueden lograr un mayor impacto, a través de su esfuerzo colectivo.
Dentro de esos esfuerzos, Intermon Oxfam, miembro de Oxfam Internacional, ha programado el Festival Internacional de Cortos Actúa, un evento que nace y existe como herramienta de cambio, es decir, busca su expresión como palanca de movilización. Una se las singularidades del Festival Actúa es la temática anual. Cada año se selecciona un tema específico que afecta al desarrollo, seguridad o protección de poblaciones de los países del sur. Esta segunda edición tuvo como marco temático el hambre.
El Festival se desarrolló en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, del 7 al 9 de junio, coincidiendo con la celebración de la Cumbre del G8 (reunión de los 8 países más ricos del planeta) que se desarrolló en Alemania. Las categorías estuvieron divididas en cortometrajes de ficción y en cortos documentales; los premios fueron: una cámara Canon HX G1 (con un precio de 6 990 euros) para los primeros puestos y los segundos puestos recibieron una cámara Canon XH A1 (con un precio de 4,390 euros); además hubo un premio del público elegido a través de votación.
A continuación vean uno de los cortos ganadores del año pasado. El cumpleaños de Carlos, 2º puesto Ficción:
Dentro de mi afición por los cortometrajes encontré, rebuscando en el Youtube este cortometraje español ganador del Festival de Cine Independiente de Sundance. Su director, Alex Pastor narra una historia lineal de una manera original, contraponiendo las etapas de la vida dentro del relato y hace que esta pieza - oscura y muy dramática - se convierta en un cuestionamiento acerca de la vida y de nuestros recuerdos. Disfrútenlo.
"Un desconcertante, potentísimo y original corto del joven Àlex Pastor sobre el sentido de la vida, repleto de palíndromos como el del título. Panlíndromo: palabra o frase que se lee igual de derecha a izquierda que de izquierda a derecha. Por ejemplo: La ruta natural. Alguien dijo que la vida debía ir al revés, comenzar por la muerte y vivirse en sentido de retroceso hasta volver a la tranquilidad de la casa en el cuerpo materno. Àlex Pastor, nacido en 1981, alumno de guión de la ESCAC de Barcelona, reflexiona sobre el sentido de la vida y cuenta marcha atrás (también las imágenes) la existencia de un hombre (interpretado por Pere Ventura), lo que da a su pieza una descomunal potencia visual.
De este modo, no sólo David y Laura, los protagonistas, se convierten en Divad y Arual, sino que la mayoría de las vivencias, desde las más cotidianas hasta las más trascendentes, cobran un nuevo sentido. "La ruta natural", una de las mejores piezas de los últimos años, fue nominada al Goya al mejor corto y ya ha comenzado un año repleto de premios en el circuito nacional de festivales. El último, el galardón del Público en el certamen Curt Ficcions."
Estuve en el Festival de Lima, que acaba de terminar y acá empiezo con unas criticas para las pelas que pude ver. Espero que los que se animen las vean en el cine más cercano o las compren en polvos azules, el hueco o demás sitios piratas que abundan en nuestro querido Perú.
XXY(2007) El aceptar al otro tal como es, de eso trata la película de la argentina Lucía Puenzo, que se presenta en el 11 Festival de Lima. El misterio que gira alrededor de Alex, crean el ambiente necesario para que la película se desarrolle de acuerdo a un guión bastante sólido y a una puesta en escena muy cuidada sobre todo por lo difícil de tema tratado y por la personificación de la adolescente hermafrodita de 15 años que logra transmitir ese desencanto de la juventud al afrontar el enorme problema – aunque todos los problemas de la adolescencia son enormes – de la elección.
La directora evita personajes secundarios estelares, ni Darín llena la pantalla; y se preocupa en concentrar todo el peso del film en Alex, a quien llena de complejidad, fuerza y emociones que oculta, para hacerlas estallar sólo en compañía del agua, de la lluvia, referentes indiscutibles purificación.
Si bien la película gira sobre adolescentes y un problema oculto, el tema se aborda desde una mirada bastante adulta y evita dar una lección de aprendizaje, para que cada uno se genere la duda y comparta con Alex la difícil situación de elegir.
Jueves 26 de julio, 10:30 a.m., llegamos a la hora citada a los cines UVK Larcomar donde se iba a presentar la tan esperada adaptación cinematográfica de uno de los mayores fenómenos televisivos peruanos, La Gran Sangre.
Todo el elenco, incluidos el actor mexicano José Alonso y la actriz argentina Carolina Pampillo visitaron el local miraflorino para ver la primera presentación oficial en pantalla grande del grupo justiciero integrado por Dragón (Carlos Alcántara), Mandril (Pietro Sibille) y Tony Blades (Aldo Miyashiro) que esta vez tienen una aventura con un menú lleno de balas, peleas cuerpo a cuerpo y tomaduras de pelo que sacan carcajadas a borbotones.
Jaime Carbajal de JC Producciones invita a los presentes a apagar los celulares y el equipo de seguridad ingresa para que la norma se respete. La película arranca y la pantalla exhala acción al 100%. Terminada la película, Jorge Carmona agradece los efusivos aplausos que se generan en la sala e invita a los actores para la sesión fotográfica. Melania Urbina, con su sonrisa inolvidable, conversa con toda la prensa, mientras Aldo, Carlos y Pietro -los más buscados de la jornada- firman autógrafos y se fotografían con los afortunados que fueron invitados al evento, entre ellos el Club de Fans de La Gran Sangre quienes, libro en mano, buscan completar las firmas de sus héroes lorchos.
La Gran Sangre, ya se encuentra en los cines desde el 1 de agosto. Cheka la película y más fotos del evento en aquí.
Mis padres eran perfectos. Nunca se peleaban. Nunca alzaban la voz... Me avergonzaba tener una familia así. Casi era un trauma. Yo quería que en mi vida ocurrieran sucesos extraños. Sabía que nada era lo que parecía, ni en mi casa ni en ningún otro lugar. Tenía esa certeza, mejor dicho, esa impresión. Pero no conseguía probarla
David Lynch, describiendo su infancia en artículo publicado en Revista Fantastique
Países: Paraguay, Argentina, Países Bajos, Francia, Austria y Alemania. Interpretación: Ramón del Río (Ramón), Georgina Genes (Cándida). Producción: Marianne Slot, Lita Stantic e Ilse Hughan. Música: Óscar Cardozo Ocampo. Fotografía: Willi Behnisch. Montaje: Miguel Schverdfinger. Diseño de producción: Carlo Spatuzza.
Festival de Lima: Sección Oficial Óperas Primas
Con este drama hablado en guaraní, el cine paraguayo ha logrado ponerse en boca de todos. Tras haber ganado el Premio Fipresci en Cannes, y el Premio de la Crítica en Sao Paulo; Paz Encina -directora graduada en Buenos Aires- le otorga un nuevo comienzo al cine de su país que estuvo dormido desde poco más de 30 años. Si bien Hamaca paraguaya es una película difícil por la lentitud en que está contada (referencia clara a Los muertos de Lisandro Alonso y a Historias mínimas de Carlos Sorin), es una película que nos transmite el espíritu calmado de los guaraníes, el recuerdo de una guerra triste con Bolivia y la relación de una pareja en la última etapa de la vida que cuestiona su mundo a partir de la espera inútil, la llegada de la lluvia que rompa el silencio y del eterno eco de un perro que no deja de ladrar.
Hamaca paraguaya es una película difícil. Una pareja de ancianos dialoga sobre sus vidas juntos, sobre el hijo que partió a la guerra y no volverá, el tiempo de lluvia y el eterno ladrar de su perro. Pero la película pudo ser mucho más. Si bien encontramos varias afirmaciones de la directora declarando que "cada imagen duraría todo el tiempo que fuera necesario para expresarse y no el tiempo necesario para que los demás lo vieran", a la película le falta el estilo personal, ese sello de autor que aquí parece copiado de Lisandro Alonso, o de Carlos Sorín, donde los planos largos hasta el hastío hacen que los diálogos divaguen y no se enriquezcan del contexto en el que son mostrados. Si bien Alonso muestra espíritu de tránsito y de nuevo aprendizaje en Los muertos; y Sorín acompaña con largos planos el devenir de varios personajes de la pampa argentina en Historias mínimas; la actitud, la presencia y el actuar de los personajes en ambos directores tienen una referencia directa en la composición y en la estructura de los planos, referencia carente en Hamaca paraguaya, donde los personajes vagan dentro de un largo plano general y están desconectados dentro de una composición única que se resuelve en una continuidad no mayor de 15 planos secuencia.
La omnipresencia de los diálogos acompañado las acciones lentas de la pareja de ancianos nos evocan no sólo su constante queja por distintos intereses (el ladrido del can, la venida de la lluvia, la espera del hijo) sino también las relaciones que tienen dentro de su comunidad y de su vinculo perdido con el hijo que se fue a una guerra sin retorno. Pero son también estos diálogos los que nos apartan de la visión que tenemos de esta pareja que se ha quedado en la monotonía del bosque, un cuadro pintado de un solo color y en un solo plano, donde el paso del tiempo es aletargado y desesperante. En las locuciones, todas en primer plano, bastante lejos de lo que vemos, está el tema central y la importancia real del film de Paz Encina: su país y el contexto en el que se encuentra; una lengua olvidada, un pasado que aun se recuerda con nostalgia y un encierro en medio de un bosque continental donde sólo queda esperar a que se acuerden de ellos.
Fernando Torres acaba de regresar de La Habana, donde su cortometraje fue seleccionado para participar en el 5to. Festival del Cine Pobre realizado en Gibara, desde donde hoy recibimos la noticia de que el documental de Torres ha recibido una Mención Especial. A partir de esta noticia, repaso con ustedes la entrevista que le hice para Cortocircuito, ventana especializada en divulgar trabajos audiovisuales, perteneciente a Cinencuentro.
Los inicios de Fernando Torres en el mundo audiovisual son a través del Cineclub “Abre los ojos” de la Universidad Antenor Orrego, donde su interés por el cine crece. Su primer acercamiento al séptimo arte lo tuvo a partir de su madre que lo llevaba a ver películas hindúes como La familia elefante, Jocker, 300 millas en busca de mamá, en el cine Sagitario.
Como característica recurrente en los cortometrajistas peruanos, Torres también desarrolla su primer corto Carretillas Driver dentro de las aulas universitarias como parte de un curso universitario de la carrera audiovisual. Dentro de la realización, Fernando desarrollo la investigación de manera personal a partir de entrevistas y de conocer a los protagonistas de su documental en uno de los mercados mas populares de la ciudad de Trujillo y que se encuentra cerca de una de las zonas más peligrosas de la ciudad.
El corto fue rodado en Video Hi8 en un solo día de rodaje. A la par, Fernando colaboraba con otro grupo de estudiantes que grababan otro corto documental sobre pandillas en la zona de Florencia de Mora, aledaña al mercado de la Hermelinda.
La historia que presenta Carretillas Driver es más que todo un recorrido por la vida diaria de 3 niños carretilleros en sus horas de trabajo, con un tratamiento diferente, no mostrando lo terrible y trágico de la faena laboral sino la toma de conciencia de los niños sobre el rol del trabajo en su familia, ya que lo ven como una ayuda y un aporte a su hogar más que como una explotación y un sufrimiento.
Fernando conoce esta realidad pues la ve a diario, ya que aparte de seguir estudios en la universidad, ha trabajado como taxista y ha sido testigo involuntario de esa parte social, de esa construcción diaria de lo urbano marginal que es el espacio donde toma las historias para realizar sus cortometrajes.
Con este trabajo, Torres gana el premio a Mejor Documental en la categoría estudiantil del Festiva Nacional de Cortos (FENACO) en Cusco, donde se hace acreedor a un Paquete para estudiar edición y posproducción en Media Solution, además ha ganado el premio a mejor documental -Sede Trujillo- de La noche de los Cortos y el Premio del la Asociación de Facultades de Comunicación realizado en el Cusco, donde quedó en segundo lugar.
Fernando Torres ahora se prepara para realizar un documental turístico sobre la hacienda azucarera Laredo, del cual ya tiene el guión listo, además de realizar un corto de ficción sobre el amor y la relaciones entre parejas de la tercera edad llamado “Paris cien pasos”.
Ficha artística y técnica
Duración: 09′083″ Fromato: Video Hi8 Fecha de realización: 2005
Dirección: Fernando Torres Guión: Fernando Torres Producción: Sue Orihuela Equipo de Producción: Betty Villanueva, Wilson Fernández, Marlene Linares, José Gurreonero, Núñez Alcántara, Katia Valencia, Gina D’Angelo, Tesis Sagástegui, Dante Padilla, Marialuisa Bazán, Paul Castillo Edición: Fernando Torres Cámara: Rommel Ascue, Richard Deza Musicalización: El chúntaro Style (El Gran Silencio), Mi dolor (Chacalón y la Nueva Crema), Gregorio (Fránesis)
El jueves por la noche se realizó el estreno del cortometraje iquiteño Chullachaqui en el Centro Cultural de España. El equipo de Cinencuentro en pleno asistió a la proyección en el auditorio de la calle Natalio Sánchez.
Una cola, que se perdía en la Av. Arenales, esperaba impaciente en la puerta principal del espacio cultural el inicio de la proyección del primer corto grabado en la selva peruana, con actores no profesionales y con financiamiento netamente local. El inicio del evento se hizo esperar por casi 30 minutos, que se extendieron, además, porque dentro del local también se preparaba otra inauguración paralela a la reunión cinematográfica.
Ya ubicados en el auditorio, que se copó en pocos minutos de personas de todas las edades, se dio inicio a la presentación de la obra con las palabras del director Dorian Fernández, que, recalcó la importancia que tenía para él “colaborar con un grano de arena en el cine provincial, además de poder, con este primer paso, instaurar una industria de cine amazónico.
Apagadas las luces, una luz emergió de una esquina, se trataba de una lámpara encendida, el portador era un nativo selvático (el actor de teatro Rubén Manrique), que en un monólogo muy particular y acompañado de sonidos característicos de la selva, nos introdujo al mundo amazónico donde “existen un sinnúmero de historias que contar y donde Chullachaqui es sólo el inicio”. [Ver el video] La luz se apaga y el corto comienza.
Chullachaqui, en la versión de Fernández, cuenta la historia de siete alumnos universitarios que deben internarse en la selva con el objetivo de recolectar muestras para su trabajo final de biología. A partir de este viaje, y de manera muy rápida, el desarrollo de la historia dará cuenta de las contínuas desapariciones de los protagonistas.
Fernández, publicista de profesión, acierta dentro de su trabajo de ficción en dos cosas: la fotografía, sobresaliente en los planos generales e iniciales que desarrollan un clip turístico dentro del relato; y en los efectos sonoros, sobre todo en los momentos de tensión donde el ser sobrenatural se apodera de las víctimas. Sin embargo, las falencias a nivel actoral y la rapidez, sin descansos, con la que suceden los hechos hacen que el corto no llegue a colmar las expectativas que suscita el inicio con el logrado primer plano de la falsa entrevista a un lugareño (representado por el mismo Rubén Manrique, quien se desempeñó además como director artístico del corto).
Tras el visionado de la ópera prima de Dorian, se presentó el vídeoclip con el tema promocional del filme, rodado en la azotea del edificio más alto de Iquitos (de 12 pisos, según referencia de Dorian, quien también dirige el videoclip) emulando los clásicos videos de azotea grabados por bandas como The Beatles y Jarabe de Palo. La canción “Mundo raro” es interpretada por la banda loretana Tran-C, que se inició tocando covers de rock and roll y que acaba de lanzar su primer trabajo con canciones propias después de diez años de trayectoria. Un trabajo audiovisual bastante ambicioso y muy bien producido sin mucho que envidiar a las propuestas capitalinas.
Despúes de la presentación del making of, un video deficiente, lleno de retazos jocosos más que información, se dio pie a la ronda de preguntas donde abundaron las interrogantes y las felicitaciones con un marcado tema en común (más allá de las típicas preguntas estilo conferencia de prensa) el compromiso de fidelidad con el personaje de la historia tradicional y mitológica; o la generación de un nuevo personaje a partir de la creación personal y la aprehensión de características específicas del ser mitológico.
Todas estas cuestiones, tomando como punto de partida la representación del Chullachaqui de Fernández, donde llama la atención la particularidad que tiene este ser mítico de matar; cosa que tradicionalmente no hace, ya que en casi todas las versiones del mito el ser imaginario del Chullachaqui sólo posee la destreza de confundir a las personas, de desorientarlas. Es así que, en opinión de algunos asistentes al evento, el director loretano rompe y transgrede la esencia del mito para convertir la leyenda en una historia de terror, un simple género cinematográfico, traicionando así la larga cadena oral de la que el cuento nace, convirtiéndolo ya no en un personaje particular, sino en un mounstruo de terror hollywoodense. Otras voces defendieron el derecho del director de ficcionar y usar un mito amazónico para crear una historia propia, el mismo Fernández señaló que en los créditos de inicio se cuidó de colocar un cartel con la frase: “inspirada en una leyenda amazónica”.
Opiniones que no sólo interesan en esta obra, sino también en las obras de mitos bastante difundidos en el colectivo popular de cada región del país y que han sido retratadas en la pantalla grande por directores como Nilo Inga (El Tunche), Henry Vallejo (El misterio del Kharishiri) o Palito Ortega y Mélinton Eusebio (Jarjacha: el demonio del incesto). La pregunta sigue en el aire: ¿se deforma y transgrede la visión colectiva de una tradición popular o se renueva y enriquece con la visión artística de cada uno de los directores que recurren a estos relatos para generar sus guiones cinematográficos, sus películas de terror comercial?
En 1992, Danny Gavidia realizó el cortometraje Una pequeña mirada, una obra que reflejaba el camino de una niña provinciana que llegaba a Lima escapando de los infiernos del conflicto armado que azotaba la sierra central. La historia se entretejía a partir de los textos de José Watanabe, quien reflejó en su narración, el modo particular y el conocimiento pleno de la realidad de esos tiempos; evidenciando un gusto por las metáforas fuertes y duras que nos remueven el estómago, nos atraen y comprometen con su modo de pensar y de vivir.
Se trata en suma de un trabajo comprometido que aportó una mirada sobre ese momento de nuestra historia que nos causó tanto dolor y que Watanabe y Gavidia supieron universalizar en una sola voz (la de Débora Correa) y que ahora, tras la muerte del poeta se convierte en una pieza invalorable de su obra particular. Vean Una pequeña mirada, producida por Casablanca Films en 1992. Este homenaje al poeta peruano fue publicado en www.cinencuentro.com con motivo de su deceso.
Julia Gamarra y Telmo Arévalo, productores audiovisuales egresados de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, presentan Cineramas, cortometraje realizado el año 2004 durante su formación en la universidad. Cineramas es una historia basada en cuentos del colombiano Andrés Caicedo y cuenta además con la participación de Francisco Adrianzén. Los realizadores nos contaron en una entrevista sobre sus próximos proyectos, su visión del cine peruano y el desarrollo de la nueva camada de cineastas. Esta entrevista la realicé hace unos meses para el blog de Cinencuentro (www.cinencuentro.com)
¿Cómo se conocieron? Julia Gamarra: Nos conocimos en San Marcos, somos de la escuela de comunicación social. En realidad casi ya entrando a la especialidad, empezamos a hacer amistad y a conversar sobre los proyectos cinematográficos que teníamos en conjunto, las ideas de hacer cine que teníamos para el futuro. En la escuela en realidad la especialidad es producción audiovisual pero de cine se habla muy poco y entonces junto a tres personas más empezamos a conversar del tema, el interés de proyectarnos cuando egresáramos hacia la producción cinematográfica o audiovisual en general.
¿Y cómo nace la idea del corto? Telmo Arévalo: Nace por un interés de Julia por Andrés Caicedo, el crítico colombiano, ella adaptó tres cuentos que le gustaban mucho y es ahí donde sale el guión, conversamos la idea visual luego, y así sale sin mucha demora el corto. Sale muy rápido ya que por ser del curso teníamos el tiempo un poco ajustado Julia: Yo dije: Me gusta este pata y me gustan estos textos de Andrés Caicedo así que por qué no hacemos algo y de ahí la idea de un par de personas que se encuentran en un cine. Nos sentamos un día a conversar y salió el guión y casi el guión técnico a la vez, rápido, fue una cosa de mucha comunicación, mucha intuición también.
Fue un trabajo para un curso de fotografía. Julia: Si, este corto fue del 2004, cuando estábamos en el cuarto año de la universidad, el primero de la especialidad, conociendo ya un poco más, como se enfocaba en San Marcos el trabajo audiovisual, y en foto nos hicieron varios requerimientos de trabajos y un proyecto final de video.
¿Y la música la trabajan con Diego Sarmiento?¿Cómo así llega Diego a trabajar con ustedes? Telmo: Diego es dentro de nuestra promoción el que mejor trabaja audio y consideramos que él podía componer la música y creo que lo hizo muy bien Julia: En realidad los trabajos eran grupales, pero el apremio del tiempo nos hizo concentrar el trabajo entre ambos y contar con algunos compañeros en algunas cosas de asistencia y finalmente cuando hicimos la edición, Diego nos apoyó con la revisión de la edición y la música, y así le dimos el toque final. Telmo: Incluso nos apoyo con la locución en off, ya que es su tío quien la realizó, y en cuestión de post, Diego hizo muy bien su trabajo.
¿Y cuánto duró todo el planeamiento, desde la pre hasta que terminó? Julia: La pre producción y la realización menos de una semana y la post producción si tomó un poco más de tiempo, porque estábamos en la universidad, teníamos otros cursos y había que darle más dedicación.
¿Porqué optan por el blanco y negro? Telmo: Pienso que es algo así como hablar del metacine, hablar de cine dentro de él, y sobre todo de un tema donde se añora el cineclubismo, entonces se prestaba completamente ese tratamiento, incluso la narración en off, eran varios factores. Julia: Era dar una estética de cine mudo, frente a un tema que de por sí nos causaba bastante inquietud que era el fin del cineclubismo, es una añoranza a lo que fue, con una estética de inicios del cine un poco modernizada.
¿Y ese concepto de la pérdida del cine, todavía lo mantienen? Telmo: Me parece que se va a mantener. Julia: Se va a mantener de cierta forma porque era una cuestión generacional, de la inquietud que teníamos con cierto grupo de personas, y bueno en nuestra promoción de comunicadores sociales, no productores, somos alrededor de cien personas, y uno ve las diferentes expectativas de cada uno, y cómo que no hay mucho interés, incluso siempre se ha presumido de la posibilidad de cerrar nuestra especialidad, entonces era eso: ¿qué pasa? ¿por qué no se interesan? Por eso hcicimos algo al respecto. Telmo: Hay una cosa curiosa en la Escuela, a la especialidad de Producción se le considera la tercera y última, no está considera como Organizacional o Periodismo y es por eso que siempre se habla de desaparecer la especialidad y los alumnos están como en un limbo y apelar al cine creo que parece una locura.
¿Y no se están abriendo más espacios para mostrar cine? Julia: Claro, pero era 2004, estábamos estudiando y no sabíamos que nos deparaba el 2007 y si ahora son las cosas de repente un poco más claras, en ese entonces decíamos: pero quién va a contar con nosotros, cómo vamos a hacer cine, si ese es el interés y encima la gente y la institución con la que podemos contar no se interesan mucho. Organizamos algunas actividades académicas, sobre todo después de realizar el camino de la producción que tanto nos interesaba.
¿Y para el corto qué ayuda tuvieron: financiamientos, permisos…? Telmo: Yo creo que la ayuda principal fue la de Pancho (Francisco Adrianzén) Julia: El espacio donde se registró también, porque económicamente fue muy de bajo presupuesto, bajísimo. Como pueden ver contamos con Telmo en la actuación.
¿Cuánto costo el corto? Telmo: ¿Menos de cien dólares? Julia: No. Pero ya contando con la post producción, quinientos dólares a lo mucho. Pero uno puede siempre decirte una cifra, pero en general el trabajo que no se cobra, como el nuestro, el local, que si cuantificamos, salen aproximadamente unos quinientos dólares, pero efectivamente el gasto que hicimos fue distinto, afortunadamente.
¿Grabaron en MiniDV? Julia: Sí, una MiniDV que nos prestaron. Telmo: Isla prestada para editar. Julia: Espacios prestados, los talentos prestados, Pancho Adrianzén que es sonidista. Tuvimos el detalle de su actuación, Pancho nos dio un día de trabajo y también un apoyo en cuanto a sonido, una cierta orientación, que incluso no habíamos contemplado, pero él muy amablemente nos dio y cada persona que lo ve dice ahí esta Pancho Adrianzén actuando, ¿cómo lo hicieron?.
¿Dónde han exhibido el corto? Telmo: En Cusco, aquí en Lima en el CAFAE, en Barranco, también estuvo en el festival “El Espejo” en Colombia, que es de corte estudiantil. Julia: En Unifest que es un festival en España, también estudiantil, luego en Chiclayo, en nuestra escuela, en la Universidad, en concursos universitarios de comunicación…
Y desde entonces ¿Qué otros trabajos han hecho? Telmo: Uno más para un curso.
Juntos ¿no? Julia: Si pero ahora Telmo en la dirección y yo asumiendo la producción que es más o menos la orientación que teníamos. Y de ahí proyectos documentales, trabajos básicamente de la universidad. Y ya saliendo cada uno ha tomado diferentes caminos y hemos tratado de apoyarnos. Hemos trabajado juntos en un cortometraje que he producido y Telmo ha estado apoyándonos. Y en proyectos cinematográficos que tenemos, estamos pensando en contar con el apoyo mutuo. Telmo: Es una cuestión de no parar, yo estoy en la cuestión documental e institucional en algunos casos. Julia: Si bueno ya tenemos dos años, en este tiempo me he dedicado a elaborar proyectos audiovisuales, tal es así que ya tengo una empresa e incluso dos proyectos de largometraje.
Y ahora ¿qué proyectos siguen? Telmo: En realidad si hay un proyecto juntos pero es para mas adelante. Julia: Siempre que hay oportunidad se hace algo, ahora que hay herramientas por qué no se puede hacer algo, hace poco hablamos sobre eso.
¿Qué opinan sobre el apoyo a la producción nacional que el Estado debería dar? Telmo: Creo que esta fuerza inicial que existe debería manifiestarse con más poder para que haya un cambio en la cuestión presupuestal, que haya una visión cultural del Estado, ese es nuestro punto de vista como interesados en el mundo del cine. Julia: Si bueno, dispuestos a apoyar, lo hemos hecho en nuestros años en lo posible participando en cuanto a temas de diversidad cultural o por la ley de cine, la idea es que cada uno desde su lugar pueda hacer algo, e invocar a la gente que desde donde esté, si tiene el interés de dedicarse al cine o de que haya una industria de cine peruano, pues que se involucren, que realicen, que lo intenten, que traten de ser cada vez más profesionales para que la opinión publica, los políticos, las instituciones puedan darse cuenta de que no somos cualquier cosa, sino que tenemos una intención clara de que el cine peruano tenga una industria, fastidiar para que nos den el presupuesto.
¿Y que opinan sobre el desarrollo actual del cine nacional? Telmo: Es una cuestión saludable de todas formas para los que estamos ahí o para los que queremos estar, pero hace falta más presencia, más difusión y hace falta más gente que se anime a dedicarse exclusivamente a esto aunque sea complicado. Me parece saludable que incluso en el interior la gente le haya dado la espalda a Lima y empiece a realizar para su publico, eso es muy bueno. Pero igual yo siento que hay un desorden pero que es parte de ese proceso, la gente produce dentro del país y aquí en Lima. En el interior incluso no sabemos como es la cuestión de la distribución, de proyección –contratan lugares para proyectar y esa es su forma de recuperar la inversión– pero seguramente como todo proceso que empieza sin un aval oficial, va a llegar a un buen norte, yo creo que si. Julia: Lo importante es que estamos en camino de llegar a ser más profesionales, si bien hay un auge de trabajos, muchas veces uno se contenta con hacer un proyecto y no tiene una continuidad, un destino trazado, en eso sería ideal que la gente que se dedica al trabajo de producción apueste por darle continuidad al trabajo, en pensar en qué forma va a ser la producción, uno puede quedarse en hacer la proyección, pero no busca donde presentar el trabajo, donde salir, sobre todo en la gente joven como nosotros, pero creo que es por desconocimiento; pero ahora teniendo tanta apertura, por ejemplo usando Internet, la gente debe dedicarse un poquito más a eso y bueno así abrir un nuevo camino, porque con los realizadores asentados como que es más difícil involucrarse. Creo que se están dando las posibilidades en el cine de provincias como en el cine joven, ahí se están generando nuevas perspectivas.
Cineramas (2004) Dir. Julia Gamarra y Telmó Arévalo | 10 min. | Perú | MiniDV
Reparto: Francisco Adrianzén, Candy Torres, Telmo Arévalo Narración: Jorge García Calderón Voz en off: Pamela Paz, Telmo Arévalo Producción: Julia Gamarra Dirección de fotografía: Telmo Arévalo Guión: Julia Gamarra, a partir de los textos de Andrés Caicedo: “El espectador”, “Destinos fatales” y “Diario” Edición: Julia Gamarra, Diego Sarmiento Asistente de edición: Telmo Arévalo Postproducción de sonido: Diego Sarmiento Música: Diego Sarmiento Animación: Iosif Ibarra
Fotos: Hugo Palomino Producción: Mary Panta Transcripción: Luis Ramos y Luisa García
